INTERVIEW in Neutral Density Magazine. Entrevista (ENG/ESP) / by Beatriz Glez Sa

Muchas Gracias a la Revista Neutral Density que me ha dado la oportunidad de hablar del proceso creativo de mis proyectos y mucho más en la entrevista que ha publicado en su página en línea.

Puedes leer la entrevista en inglés y la traducción al español aquí, en mi web.


Thank you very much to the Neutral Density Magazine that has given me the opportunity to talk about the creative process of my projects and much more in the interview that they have published on their website online.

You  also can read the interview in English and the Spanish translation here, on my website.


  • Please introduce yourself

My name is Beatriz Glez Sa, I’m an interdisciplinary artist, that in the late years, works mainly in the photographic realm.

  • How did you get interested in photography?

I saw a documentary on Lennart Nilsson, a Swiss scientific and documentary photographer, at the time I was studying Fine Arts centred in painting. His documentary work “The hunting of the polar bear in Spitzbergen” (1947), A picture in which a baby bear stands on the body of his mother beaten to death and looking a hunter who wields a stick against her. That photo really moved me. It was published by Times magazine and caused public opinion to rise up in protest for the prohibition of this cruel practice.

This caused me a great effect emotionally and cognitively made me reflect on the relevance of the photographic medium and its extraordinary ease of diffusion in our current times. I thought that photography could promote change, rise of consciences as well as cross borders and get easily understood for people with education and non prior education (not just Art experts and highly educated people), and different backgrounds, so I decided to change my pathway and opt for the speciality of “image” (photography, video, and film) as a curricular priority.

  • Do you have an artistic/photographic background?

I started to study art when I was a teen, in a high school, a special Bachiller centred in art and afterwards studied BFA and MFA in Barcelona University, Design, and Photography in Nottingham Trent University in the UK. I also got a Master as an Art teacher.

  • Which artist/photographer inspired your art?

The major influence are a combination from artists the painting and photographic field overall, and it’s quite eclectic.

The triad of Art – Concept – Aesthetics is the main drive in all my artworks.

In photography lately, I’m influenced by Renaissance and Baroque (especially Spanish Baroque which is more in touch with the mortality and a tragic sense of life, which is coherent conceptually with the themes that I like to tackle contemplating illness, resilience, health or ecology (although with a much hopeful tone). I cannot mention all the inspiring artists from the Spanish Baroque or other painters that had influenced me deeply, but I must mention a few like; Goya, Miró, Lucian Freud, Rothko for name just a few amazing painters that have shifted my way to see, think and feel.

In the photographic realm, I’m mainly drawn towards authors led by concepts or philosophies, in the first years of my career, as a student, I was quite impressed by, Lennart Nilsson as I mentioned before, Cindy Sherman, Nan Goldin, Martin Paar, Duane Michals, Andres Serrano or the photo-paintings of Gerhard Richter. I would say that the conceptual artwork of Jenny Holzer, Ana Mendieta, and Marina Abramović had a deep impact on me and inspired some of my earlier projects.

I nowadays must mention especially Henri Cartier-Bresson, Philippe Halsman or Chema Madoz in Surrealism, Horst P. Horst in Fashion, or the conceptuality of Joan Fontcuberta and many others that are quite inspiring to me. Although out of the artistic realm, I must say that neuroscientifics, psychologists and philosophers, and lately, authors in neuroaesthetics, are inspiring my projects on a daily bases.

  • How much preparation do you put into taking a photograph?

The most complicated thing for me is the conceptual base, it requires lots of research, usually for several months before to start with the creative and artistic direction, shooting and editing. I work on several projects at the same time. All of them are connected so I get the ideas to develop almost simultaneously, so that way I always have one or more projects to shoot and edit. I usually write a previous literary essay to organise all the ideas and make it work, and afterward, I work on the images, and all the rest aspects of the production including the creative team that I need for each project.

Because my shootings require a lot of work and big physical effort for me and for all the team, I do my best to combine several ideas/projects for shooting to be more effective.

  • Could you please tell us something about your technique and creating process?

I started to experiment with the traditional process of developing film and paper in black and white, although I was born in the digital era, at the time, It seemed to me that it could give me many creative possibilities. I was very keen on the cross-process technique with film, that makes possible to get an approximation to the painterly aesthetics with vibrant, saturated impactful colours, so close to fauvist and expressionist painting with which l resonated with at the beginning of my career.

Nowadays I mainly work in digital, with some exceptions, and I edit mainly in Photoshop, which gives me a lot of artistic-creative possibilities.

I like working with all kind of cameras that can give me a pictorial finish. For underwater photography nowadays, I work with a full frame Sony camera, but I’m open to combining it with other cameras, (Olympus, Nikon, etc) if the idea-project requires it.

I work with sharp images but often I low the sharpness in post-edition to get a more pictorial sensation in some of the parts or in the whole picture if that makes sense to me.

I take pictures from a “photographic perspective” ( I take in consideration how to get what I want in the shooting not afterwards) but I treat the picture in the editing process as if it were a painting of light (Which basically is Photo-Graphy). I usually don’t “paint” or add objects that weren’t in the original picture, but I might increase or decrease the shadows or colours, changing sometimes the depth and shapes or combining different pictures. The process can be different for each project, everything depends on the concept/concepts.

Conceptually I work around the idea and the many nuances of the transformation; As an adaptive process in a given illness, in the healing process, in the resilience, and in the transformation of our environment (ecology). I’m also interested in Fashion photography because of the transformative possibilities that fashion offer us as a tool of physical and psychological transformation. I adapt neuroscience and neuroesthetics concepts in the bases of many projects.

For underwater photography, I like to work in a natural environment, mostly in the Mediterranean sea, with natural conditions and light. I like the synchrony with my team, nature and the elements in this creative process, a sense of lack of control but with an openness and attentive presence that activates, and in some cases, change the preconceived ideas to different outcomes, as if any creative endeavour relied on the synchronic flow and the allowance by nature to all of us to create.

In printing, I love the Lustre, Satin and overall, the Matte Fine Arts archival papers for my limited edition prints. They give them a real feeling of high quality museum Baroque – Classical painting. I mostly work with Hahnemühle for the optimal results, because it’s a Museum-quality paper as well as is certified for more than 100 years, which in combination with archival inks gives me a high end/quality finish that I’m looking for in my pictures.

  • What do you do in your life besides photography?

Art-Photography is my main job although I’m exploring other creative possibilities at the moment.

  • What future plans do you have? What projects would you like to accomplish?

At the moment I’m working in the second part of a project about ecology (Human Waste II), and at the same time I’m deepening in my research on the healing of trauma and I have several projects in mind, I will start the shooting of some of them this month.

Also, after the generous opportunity that the National Museum of Photography of Colombia gave me by inviting me to their biennial and offered me the chance to give a conference on the conceptual bases of my work, with a good reception from the audience, I would like to write a book in English and Spanish to get deeper in all the concepts and purposes of my work. Hopefully, I will find the time to do it all!



  •  Por favor preséntese

Mi nombre es Beatriz Glez Sa, soy una artista multidisciplinar que, en los últimos años, trabaja principalmente en el ámbito fotográfico.

  • ¿Cómo se interesó en la fotografía?

Vi un documental sobre Lennart Nilsson, un fotógrafo científico y documental suizo, cuando estudiaba Bellas Artes en la especialización de pintura. Su trabajo documental "La caza del oso polar en Spitzbergen" (1947), una imagen en la que un oso bebé se encuentra abrazado encima del cuerpo sin vida de su madre que ha sido golpeado hasta la muerte y mirando a un cazador que empuña un palo contra ella. Esa foto realmente me conmovió. Fue publicado por la revista Times y provocó que la opinión pública se levantara en protesta para la prohibición de esta práctica cruel.

Esto me causó un gran efecto emocional y cognitivo, me hizo reflexionar sobre la relevancia del medio fotográfico y su extraordinaria facilidad de difusión en nuestros tiempos actuales. Pensé que la fotografía podría promover el cambio, el aumento de la conciencia, así como cruzar fronteras y ser fácilmente entendida por personas con y sin previa educación (no solo expertos en arte y personas altamente formadas) con diferentes orígenes, así que decidí cambiar mi camino y optar por la especialidad de "imagen" (fotografía, video y cine) como prioridad curricular.

  • ¿Tiene una formación artística / fotográfica?

Comencé a estudiar arte cuando era adolescente, en una escuela secundaria, un Bachillerato artístico y luego estudié Grado y Máster de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, Diseño y Fotografía en la Universidad de Nottingham Trent en el Reino Unido. También obtuve un Máster en educación secundaria, como profesora de arte.

  • ¿Qué artista / fotógrafo ha inspirado su arte?

La mayor influencia sería mas bien una combinación de artistas en el campo de la pintura y la fotografía en general, y es un panorama bastante ecléctico.

La tríada de Arte - Concepto - Estética es el motor principal de todas mis obras.

En la fotografía últimamente, estoy influenciada por el Renacimiento y el Barroco (especialmente el Barroco español que está más en contacto con la mortalidad y un sentido trágico de la vida, que es coherente conceptualmente con los temas que me gusta abordar, como la reflexión sobre la enfermedad, resiliencia, salud o ecología (aunque con un tono más esperanzador que el Barroco español). No puedo mencionar a todos los artistas inspiradores del barroco español u otros pintores que me han influenciado profundamente, son demasiados, pero debo mencionar algunos como; Goya, Miró, Lucian Freud, Rothko por nombrar solo un pocos pintores increíbles que han cambiado mi forma de ver, pensar y sentir.

En el ámbito fotográfico, me atraen principalmente los autores que su trabajo se origina de conceptos o filosofías. En los primeros años de mi carrera, como estudiante, me impresionaron bastante, Lennart Nilsson como mencioné anteriormente, Cindy Sherman, Nan Goldin, Martin Paar, Duane Michals, Andres Serrano o las pinturas fotográficas de Gerhard Richter. Diría que la obra conceptual de Jenny Holzer, Ana Mendieta y Marina Abramović tuvo un profundo impacto en mí e inspiró algunos de mis proyectos iniciales.

Hoy en día debo mencionar especialmente a Henri Cartier-Bresson, Philippe Halsman o Chema Madoz en Surrealismo, Horst P. Horst en Moda, o la conceptualidad de Joan Fontcuberta y muchos otros que me inspiran bastante. Aunque fuera del ámbito artístico, debo decir que algunos selectos neurocientíficos/as, psicólogos/as y filósofos/as, y últimamente, autores/as en el campo de la neuroestética, están inspirando mis nuevos proyectos a diario.

  • ¿Cuánta preparación emplea para tomar una fotografía?

Lo más complicado para mí es la base conceptual, requiere mucha investigación, normalmente trabajo durante varios meses en las ideas antes de comenzar con la dirección creativa y artística, las sesiones fotográficas y la edición. Suelo trabajar en varios proyectos al mismo tiempo. Todos están conectados, por lo que obtengo las ideas a desarrollar casi simultáneamente, de modo que siempre tengo uno o más proyectos para fotografiar y editar. Por lo general, escribo antes un ensayo literario para organizar todas las ideas y hacer que funcione de forma cohesiva y coherente, y luego, trabajo en las imágenes y todos los demás aspectos de la producción, incluido la selección del equipo creativo que necesito para cada proyecto.

Debido a que mis sesiones fotográficas requieren mucho trabajo con gran esfuerzo físico tanto para mí como para todo el equipo, hago todo lo posible para combinar varias ideas / proyectos en cada sesión para hacer sea más efectivo.

  • ¿Podría decirnos algo sobre su técnica y proceso de creación?

Comencé a experimentar con el proceso tradicional de revelado de películas y papel fotográfico en blanco y negro, y aunque nací en la era digital, en ese momento, me pareció que me podía dar muchas posibilidades creativas. Estaba muy interesada en la técnica de proceso cruzado en película, que hace posible obtener una aproximación a la estética pictórica con colores vibrantes, saturados e impactantes, tan cercanos a la pintura fauvista y expresionista con la que tanto resoné al comienzo de mi carrera.

Actualmente trabajo principalmente en digital, con algunas excepciones, y edito principalmente en Photoshop, lo que me brinda muchas posibilidades artístico-creativas.

Me gusta trabajar con todo tipo de cámaras que pueden darme un acabado pictórico. Para la fotografía subacuática en la actualidad, trabajo con una cámara Sony de fotograma completo (full frame), pero suelo estar abierta a  a combinarla con otras cámaras (Olympus, Nikon, etc.) si la idea - proyecto lo requiere.

Trabajo con imágenes nítidas, pero a menudo bajo la nitidez en la post-producción para obtener una sensación más pictórica en algunas de las partes o en la imagen completa si eso tiene sentido para mí.

Hago fotos desde una "perspectiva fotográfica" (considero cómo obtener lo que quiero en el disparo, no después), pero trato la imagen en el proceso de edición como si fuera una pintura de luz (lo que básicamente es la foto—grafía). Por lo general, no "pinto" ni agrego objetos que no estaban en la imagen original, pero podría aumentar o disminuir las sombras o los colores, cambiando a veces la profundidad y las formas o combinando diferentes imágenes. El proceso puede ser diferente para cada proyecto, todo depende del concepto o conceptos.

Conceptualmente trabajo alrededor de la idea y los muchos matices de la transformación; Como un proceso de adaptación en una enfermedad dada, en el proceso de curación, en la capacidad de recuperación y en la transformación de nuestro entorno (ecología). También me interesa la fotografía de moda debido a las posibilidades transformadoras que la moda nos ofrece como una herramienta accesible de transformación física y psicológica. Adapto conceptos de neurociencia y neuroestética en las bases de la mayoría de mis proyectos.

Para la fotografía subacuática, me gusta trabajar en un entorno natural, principalmente en el Mar Mediterráneo, con luz y demás condiciones naturales. Me gusta crear una sincronía con el equipo con el que trabajo, la naturaleza y los elementos en este proceso creativo, con una sensación de falta de control pero con una apertura y una presencia atenta que activa y, en algunos casos, cambia las ideas preconcebidas a resultados diferentes.  Como si el trabajo creativo se basase en el flujo sincrónico entre los integrantes del equipo y el ecosistema natural. Existe el sentimiento de que todo el trabajo depende de que la naturaleza nos permita y posibilite crearlo.

En la impresión fotográfica, me encantan los papeles de archival Lustre, Satinado y, en general, Matte Fine Arts para mis impresiones de edición limitada. Les dan una sensación muy auténtica de museo de alta calidad, sensación muy cercana a las pintura clásica barrocas. Principalmente trabajo con papeles Hahnemühle para obtener resultados óptimos, porque es un papel de calidad de museo y está certificado por más de 100 años, lo que en combinación con las tintas de archival me da un acabado de alta calidad que busco para mis imágenes.

  • ¿En qué trabajas además de la fotografía?

El arte y la Fotografía es mi trabajo principal, aunque estoy explorando otras posibilidades creativas en este momento.

  • ¿Qué planes de futuro tienes? ¿Qué proyectos te gustaría realizar?

En este momento estoy trabajando en la segunda parte de un proyecto sobre ecología (Human Waste II - Desecho Humano II), y al mismo tiempo profundizo en mi investigación sobre la curación del trauma, y tengo varios proyectos en mente, comenzaré las sesiones de algunos de ellos este mes.

Además, después de la generosa oportunidad que me brindó el Museo Nacional de Fotografía de Colombia al invitarme a su bienal y ofrecerme la oportunidad de dar una conferencia sobre las bases conceptuales de mi trabajo, con una buena acogida por parte de audiencia, me gustaría escribir un libro en inglés y español para profundizar en todos los conceptos y propósitos de mi trabajo. ¡Con suerte, encontraré el tiempo para hacerlo todo!

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